"DRIVE": Violencia y tragedia
Por Ana Josefa Silva
Pero "Drive" muy luego se encamina por otra vía...
Ryan Gosling ("Blue Valentine", "Secreto de Estado") interpreta a El conductor (ese es todo su nombre, tal como lo es en la novela en que el filme se inspiró) con ángel y talento, algo que aparece por la pantalla grande muy de tarde en tarde.
Este hombre joven, de edad e historia imprecisas, de muy pocas palabras, taciturno, serio, trabaja en un garaje y como doble de películas, conduciendo autos para producciones de acción. También es el chofer de quien lo contrate para asaltos y robos. Su "servicio" tiene sus condiciones...
De vecina tiene a una joven mamá, Irene (Carey Mulligan, también en "Shame"), cuyo marido está en prisión.
Como cumpliendo un sino trágico, El conductor se involucra donde no debe y con la actitud arrojada de quien no tiene nada que perder.
Muy violenta -explícitamente violenta-, "Drive" circula desde la acción y el suspenso, al filme de mafiosos, pasando un rato por el drama romántico, derivando a la tragedia, en un mix de géneros que en realidad es indecisión y falta de estilo.
Una pléyade de secundarios interesantes contribuyen a la tragedia y al segmento "película de mafiosos", pero sólo acentúan la falta de brújula narrativa del filme.
A.J.S.V.
"DRIVE"
Reparto: Ryan Gosling, Carey Mulligan, Bryan Cranston.
Dirección: Nicolas Winding Refn.
EE.UU., 2011.
Duración: 100 minutos.
MAYORES DE 14 AÑOS.
"DRIVE"
Reparto: Ryan Gosling, Carey Mulligan, Bryan Cranston.
Dirección: Nicolas Winding Refn.
EE.UU., 2011.
Duración: 100 minutos.
MAYORES DE 14 AÑOS.
REGULAR
]]>Por Ana Josefa Silva
Hay algo que no funciona en una película que requiere de un folleto explicativo (o dicho de otro modo, de una información que no está en ella misma).
Es lo que ocurre con "SHAME", un largometraje con pergaminos de indie (más bien, que se disfraza de independiente), que tiene a un protagonista que deambula por alguna parte, con un nihilismo á la mode , con crisis existencial indeterminada e imprecisa y cuyo tránsito (por la vida y por la película) termina de una forma más o menos parecida a como comenzó.
En este caso, Brandon (Michael Fassbender, "X-Men: Primera generación") provee un elemento adicional: es (supuestamente) un adicto al sexo, dato que ha sido clave para la polémica, esa delicia publicitaria cada vez más escasa de conseguir en este descreído siglo XXI. Que la cadena Cinemark no la acepte en sus salas ha operado como un trampolín para una cinta que de otro modo se habría perdido, para los públicos masivos, entre butacas de cine-arte (sin saber si ese es tampoco su sitio).
La idea parece atractiva.
En sociedades individualistas totalmente liberales en términos sexuales, ¿cuándo se puede calificar como patológica, peligrosa, autodestructiva, la conducta de un sujeto en estas materias?
Cuando el sexo casual es parte de la normalidad de las relaciones y el consumo de pornografía está profusamente difundido ¿cómo se establece el límite entre lo aceptable y lo execrable? ¿Quién dice qué es promiscuo y qué es normal?
Al director y guionista británico Steve McQueen (ninguna relación con el actor) hay que darle ese mérito, el lanzar esas preguntas. Hay que agregar que además, si bien el filme es muy crudo, está muy lejos de ser un pretexto para mostrar escenas de alto voltaje. Al contrario: es sorprendente que con el tema que se trae entre manos no resulte más explícito. De hecho, podrá resultar una desilusión para quien vaya al cine buscando escenas de cama: a pesar de todo lo hot del argumento, esta es una película más bien fría, turbia...
Brandon es un tipo que se provee de todo el material pornográfico posible (y en distintos soportes), junto con establecer contacto sexual pagado o consentido indistintamente. Esto ya le está empezando a acarrear algunos problemas en su trabajo. Fuera de la oficina, su único contacto es con su hermana Sissy (Carey Mulligan, también coprotagonista de "Drive"), una chica por lo menos singular, con quien mantiene una también singular relación, de pasado nebuloso, con aroma a incesto.
A medida que camina el metraje, Brandon pierde cada vez más sus márgenes. Sissy juega, en este sentido, una función evidentemente desestabilizadora.
El mayor problema del filme es que este relato se desliza plano, incluso algo monótono y con ciertas escenas reiterativas (los viajes en metro, las caminatas por Nueva York). A la vez, la información que pudo ser significativa carece de una densidad mínima que logre establecer alguna suerte de empatía con el espectador.
De la promesa de indagar en la adicción al sexo -de la que sólo habíamos tenido noticias, con una mueca de sorna, a causa de Michael Douglas-, muy poco. O casi nada. De las preguntas planteadas más arriba, ninguna respuesta posible.
¿Qué le ocurre a Brandon, qué lo moviliza, qué busca? No sabemos. Y esto no es una película de misterio.
"SHAME"
Reparto: Michael Fassbender, Carey Mulligan.
Dirección: Steve McQueen.
Reino Unido, 2011.
Duración: 101 minutos.
MAYORES DE 18 AÑOS
INTERESANTE
Por Ana Josefa Silva V.
Un desperdicio.
Eso es “LA DAMA DE HIERRO”.
Una probada buena actriz, Meryl Streep, en la piel de una de las personalidades más controvertidas del mundo actual, Margaret Thatcher, y mucha tela que cortar... Ni eso alcanza para que esta deslavada película se levante de su modorra narrativa permanente...
¿Es que no se atrevieron con ella?
Porque mucho —¡demasiado!— se puede decir, opinar, pensar en torno a un personaje que cuenta con amigos de lealtad infinita y enemigos acérrimos —incluido respetos y odios cruzados—, que influyó fuertemente en la política occidental de fines del siglo XX y que tiene una historia personal que por sí sola vale una película.
Nada que se sienta con fuerza por aquí.
Todo se sobrevuela: su juventud luchadora, sus reformas, los intensos altibajos de su popularidad, las circunstancias políticas que afrontó, sus amigos y enemigos, la mujer poderosísima que fue, su ocaso con demencia senil...
“La Dama de Hierro” es una historia que no se decide si contar estos contrastes o narrar los “últimos días” de una anciana que alucina o si repasar algo de lo que convirtió a Mrs. Thatcher en una suerte de mito femenino.
Por unos pincelazos por aquí y por allá, uno se entera que Margaret, nacida Roberts, hija de un almacenero, criada en el rigor puritano del esfuerzo y el tesón, se fascina con la política y rompe los moldes del Partido Conservador al ingresar a sus filas y convertirse en miembro del Parlamento, en su líder, en ministro de Educación y en la única mujer en llegar a ser Primer Ministro de Gran Bretaña (algo verdaderamente inusitado para la rubia Albión). También a brochazos conocemos sus políticas públicas, su rol en la guerra de las Malvinas, su relación con Denis (su marido), los atentados del IRA... La única parte que muestra algún nervio —y algo de foco— tiene que ver con la guerra de las Malvinas. Pero eso es sólo un momento...
Meryl Streep hace una magnífica caracterización, muy bien apoyada en maquillaje, vestuario y peluquería, acuciosa en su gestualidad y sus movimientos, así como en la voz. Es un gran trabajo que navega en medio de un guión muchas veces ramplón y un montaje errático.
En manos de un director experimentado y/o de un dramaturgo sensible y creativo, “La Dama de Hierro” podría incluso llegar a convertirse en un interesante montaje teatral.
Porque así como se ve en esta película, es más interesante la Margaret Thatcher que aparece en Wikipedia.
IDEAL
(“The iron lady”)
Reparto: Meryl Streep, Jim Broadbent, Richard E. Grant.
Dirección: Phyllida Lloyd.
Reino Unido/Francia, 2012.
Duración: 105 minutos.
MAYORES DE 14 AÑOS
MALA
Por Ana Josefa Silva V.
Sí. Esto es amor, libros y blá blá blá,
Música y humor habría que agregar. Y emoción, que es tan importante a la hora del libro o la película que se elige.
“BONSAI”, inspirada en la elogiada novela homónima de Alejandro Zambra, es (aparentemente) la historia de “un pobre tipo con el corazón roto”, Julio (Diego Noguera, notable), que vive en un pequeño departamento en Santiago, tras haber estudiado literatura en Valdivia. En la capital trabaja en una librería. Un escritor de renombre, Gazmuri (Hugo Medina), le encarga que le traspase al computador una novela que ha escrito a mano en cuadernos escolares. Aunque el negocio no resulta, un poco por alardear Julio le dice a su vecina y amante, Blanca (Trinidad González), que está trabajando con Gazmuri. Julio, entonces, compra sus propios cuadernos y empieza a escribir su propia novela.
Es fascinante constatar como se construye un armazón narrativo cinematográfico en torno a una novela que en realidad es buena literatura en estado puro, casi esencial. Es decir, el director, Cristián Jiménez, consigue construir su propio “Bonsái” en otro lenguaje, el del cine, algo de lo que no muchos pueden jactarse. Lo hace magistralmente, sin lastrarse con la obra en que se inspira, sin recurrir sólo al talento del novelista, que ya hizo lo suyo en papel.
Utilizando algunos nombres de los capítulos del libro de Zambra a su modo —Bulto, Tantalia, Sobras...—, el realizador arma su propio relato en base a racontos que viajan entre Valdivia y Santiago, con 10 años de distancia. Es en el sur donde Julio ha conocido a Emilia (Natalia Galgani), una compañera de estudios tan seria y taciturna como él... (Ojo: nada de esto la convierte en una película densa o lánguida, porque de aburrida no tiene nada).
Aquí hay lluvia (mucha lluvia, esto es Valdivia, mayormente), un protagonista serio (muy serio, que es como lo describe Zambra), gente joven muy dark, harto café en tazones... Y chicas modelo Daria (spin off de “Beavis and Butthead”, MTV).
Menos sombría de lo que aparenta en un comienzo, el humor se deja caer solapado y sutil. Son briznas de humor. Lo preciso. Y en el tono exacto. Lejos del chiste directo y el divertimento, esos instantes son abiertamente cómicos.
Este es un relato donde importa el qué, no el por qué, en el que la historia se desliza en diálogos oblicuos, jamás rebuscados, concisos y aparentemente triviales. Con seductora atmósfera, silencios que se agradecen y ni una sola escena de más.
La banda sonora tiene tanto sentido y coherencia que a uno le hace recordar para qué es que está la música en una película. Hay mucha sensibilidad (también) en esta elección porque está pensada —y sentida— como una parte fundamental del todo. Las tocatas en vivo y los sonidos que acompañan esos noventeros años universitarios —Pánico principalmente (“Kick”), Fiskales, Congelador, Emociones Clandestinas— más Bach y algunos lieder de Schubert, asociados a diferentes personajes.
Hay que subrayar el muy logrado casting. Inolvidable el personaje de la abuela (en la vida real, la abuela del director): realmente muy divertida. Nada obvio, nada evidente. Todo sin aspavientos.
Delicada, exquisita, “Bonsái” se convierte en una película lo suficientemente atractiva y seductora como para llegar a sentirla entrañable.
IDEAL
“BONSAI”
Reparto: Diego Noguera, Natalia Galgani, Trinidad González, Hugo
Dirección: Cristián Jiménez.
Duración: 95 minutos.
MAYORES DE 14 AÑOS
MUY BUENA
Por Ana Josefa Silva V.
Un trago fuerte, muy fuerte. Prepárense y no digan que no se les advirtió.
Chocante (nunca obvia). Intensa, estremecedora a ratos. Y lo es más aún que “Kids”, ese filme sobre niños hipersexualizados que empujó a la fama mundial a Chloe Sevigny. Y es chilena.
Así es “JOVEN Y ALOCADA”, la película inspirada en una bloggera criolla (http://jovenyalocada.blogspot.com/) y en las ocurrencias “religioso-zezuales” que ella vierte en ese diario de vida público y virtual.
Como para dejar las cosas en claro de una buena vez desde el arranque, la primera escena es un primer plano del rostro de Daniela (Alicia Rodríguez), una niña de IV Medio, despertando al lado de un chico aún dormido mientras se masturba (veremos que hay un living lleno de botellas y vasos vacíos y más muchachos y muchachas semidesnudos inconscientes). La escena que sabemos, tememos y tal vez negamos de una generación.
Lo que sigue es la voz en off de Daniela desplegando en palabras fuertes, soeces y con una procolalia abundante —que vierte en su “ebanjelio”—, sus fantasías genitales más que sexuales (que ya no eróticas) y los comentarios de sus seguidores.
La chica resulta pertenecer a una muy observante familia evangélica del barrio alto, va a un colegio evangélico y luego trabajará en el canal de TV de la comunidad. Siente verdadero terror de pensar que sus estrictos padres (Aline Kuppenheim, Alejandro Goic) descubran su blog. Lo que no le impide hacer lo que a ella le plazca, lo que incluye —amén de su blog— aventuras sexuales de distinta índole (sexo oral, masturbaciones varias, encuentros con hombres, con mujeres, etc.).
Pero si la cinta dirigida por Marialy Rivas es fuerte y golpeadora, también lo es profundamente conmovedora, valiente, honesta, brutal. Ser procaz, soez, explícito —en las palabras y en las imágenes— era la única manera de abordar un blog que ciertamente no se mide en ningún sentido. Cualquier otra opción por “suavizar” hubiese sido ridícula. La directora respeta el desparpajo y descaro de su personaje y a la vez es capaz de evidenciar su desconcertante y contradictoria timidez.
Aquí no hay mentiras ni manipulaciones ni menos moralinas en cualquier sentido, sino un descaro que se va construyendo como una experiencia con cierto sentido.
Porque aunque así tengan ganas de creerlo quienes llevan agendas de moda, “Joven y...” no es una loa al lesbianismo ni a la “shuper-libertá-zezual”...
Tampoco es una condena a la conducta de esta chica y sus amigo/as.
Muestra, no juzga.
Uno de los mayores méritos de la película es haber sabido acotar la historia a un breve período de tiempo —suficiente y elocuente por lo demás— en el que se limita a exponer el cotidiano (¿dañado? ¿retorcido? ¿liberal?) de esta joven desde su mirada y punto de vista. Excede el material aventurarse a plantear cómo y por qué llegó ella a este punto y tampoco cómo sigue esto después.
Los coprotagónicos (María Gracia Omegna, sobre todo) y secundarios, así como los brevísimos roles (sencillamente genial Lucho Gnecco), y su inclusión en la historia, es otra muestra del talento de este equipo. Nadie ni nada sobran aquí.
En medio de su singular humor, “Joven y...” es tremendamente dolorosa y un puntapié en el corazón y en lo más sagrado para mucha gente: para partir, evangélicos, cristianos, incluso padres de familia en general. ¡Cómo no! Pero la joven bloggera no pretende “ebanjelizar” (al menos en la película): ella está exponiendo emociones elementales, sensaciones apenas elaboradas, pulsiones primarias, con más desnudez con la que incluso muchos llegan a la consulta de su terapeuta. Y ahí está el gran mérito de la película: poner en pantalla grande esta cruda realidad, sin sesgo.
Será incomprendida, si no se permite ir más allá del shock superficial del comienzo. Por angas y por mangas, literalmente. Su primera parte es tan sin anestesia (e incluso grave, carente de humor) que puede dejar a mitad de camino y turulato a un público que ya no estará en condiciones de saber que esto va de otra cosa, mucho más profunda e interesante: asomarse a los signos y síntomas de una generación más desestructurada de lo que nos gustaría aceptar.
De hecho, todo aquello que uno se queda sin saber (ese campo semántico que le dicen) es lo que da espacio a una pléyade de reflexiones y emociones sin que la cineasta y su protagonista nos impongan su moral.
Ese es el punto. No se puede limitar a un juicio.... Su valentía transita por ahí. No porque se atreva a mostrar presas humanas.
Tiene humor, agudeza en cantidad (el guión es una joya).
Lo que no quita que sea una película de fondo melancólico, oculto bajo este manto de exaltación de la genitalidad. Eso queda para la discusión post butaca, que será profunda: he ahí su mayor valor. Quizás la búsqueda a partir de un vacío que tenga mucho que decirnos a adultos y jóvenes de nuestro tiempo... Un tiempo más alocado de lo que hubiéramos querido e incluso imaginado.
No es para mayores de 14. Es una película adulta sobre gente joven.
IDEAL
JOVEN Y ALOCADA
Reparto: Alicia Rodríguez, María Gracia Omegna, Felipe Pinto.
Dirección: Marialy Rivas.
Guión: Camila Gutiérrez, Marialy Rivas, María José Viera-Gallo, Pedro Peirano y Sebastián Sepúlveda.
Duración: 96 minutos.
Mayores de 14.
MUY BUENA
Por Andrés Nazarala
En el afiche de “UN CUENTO CHINO” vemos a Ricardo Darín con “poker face” junto a una vaca. El póster, de alguna manera, promete humor absurdo y laconismo, como si fuese la última película del argentino Martín Rejtman, un realizador de culto que ha explotado esos elementos en cintas como “Rapado” y “Silvia Prieto”. Pero no. Exceptuando una escena de comedia negra que abre el filme, “Un cuento chino” es más Darín de lo que se podría sospechar. Lo que, por supuesto, no puede ser malo.
El argentino, con su histrionismo contenido y ese dolor que pareciera habitar en la trastienda de cada uno de sus personajes, se ha convertido en garante de buenas actuaciones, y esta comedia —ganadora del Goya a Mejor Película Iberoamericana, donde también participó “Violeta se fue a los cielos”— no es la excepción.
Aquí encarna a Roberto, un hombre solitario, parco y malhumorado que se dedica a atender una vieja ferretería que no se ha adaptado a los nuevos tiempos. En su opaco universo tampoco hay espacio para una mujer que está enamorada de él, como se lo confiesa en el mostrador de su negocio. La vida de Roberto es trabajar y recortar noticias bizarras que encuentra en los diarios. En las noches, piensa en este mundo de hechos insólitos que contrasta con su rutina diaria.
Hasta que conoce a un chino que está perdido en Buenos Aires y que, para peor, no habla castellano. Es aquí cuando la comedia se activa, jugando con las situaciones que surgen de las múltiples diferencias entre los personajes protagónicos. No sólo está la barrera idiomática, sino que también los choques culturales y, claro, la sensación de “invasión” que siente un Roberto que toma esto como una especie de pesadilla. Pero, como dicta el manual de las “buddy movies”, los caminos cruzados siempre dejan algún tipo de enseñanza en los personajes.
Es este sentido de “humanidad”, el que lleva al director Sebastián Borensztein a cometer algunos excesos azucarados, además de una mención desafortunada —por su populismo— a las Malvinas. Trazos que debilitan una comedia que, con menos discurso y mayor actitud, pudo haber marcado alguna diferencia.
IDEAL
“UN CUENTO
Reparto: Ricardo Darín, Ignacio Huang, Muriel
Dirección: Sebastián Borensztein.
Argentina/España, 2011.
Duración: 93 minutos.
TODO ESPECTADOR.
ENTRETENIDA
El oscuro patio trasero de la POLÍTICA
Por Ana Josefa Silva V.
No es tan sencillo armar una buena trama en torno al backstage de una campaña política con sus secretos y mezquindades.
Cualquiera se puede imaginar las inmensas posibilidades de intrigas, encuentros y desencuentros que hay tras un grupo humano que trabaja a presión, 24/7, acicateados todos por la ambición del poder.
Pero saber dónde poner la atención y cuál es la línea a seguir es lo complejo, dramáticamente hablando... Lo que George Clooney acomete, intenta y logra
“SECRETOS DE ESTADO” es, en este sentido, rotundamente efectiva.
No es la mejor traducción para la película de George Clooney (director, coguionista, actor), pero es probable que “Los Idus de marzo” (su título original, basado en la obra de Beau Willimon, coguionista, “Farragut North”) le diga muy poco a la inmensa mayoría de la gente (“Cuídate César de los idus de marzo”, Shakespeare).
Un notable Ryan Gosling (“Blue Valentine”), gran actor dramático, es el ambicioso aunque idealista —si eso es posible en el ambiente que monta Clooney— Stephen Meyers, importante miembro del staff de asesores del gobernador demócrata Mike Morris (G. Clooney), que se juega en las primarias de Ohio la posibilidad de la Presidencia de los EE.UU.
Con una carrera más que promisoria, Stephen parece manejarse como pez en el agua con su jefe, Paul Zara (un siempre efectivo Philip Seymour Hoffman), su “amiga” Ida (una astutamente afeada Marisa Tomei), periodista del NYT, y la chica que le coquetea, la joven y bella Molly (Evan Rachel Wood).
Stephen se mueve en oficinas sobrepobladas de jóvenes ayudantes soñando con su tajada de poder, donde él y los mandamases alternan en oscuros pasillos traseros o bien muy tarde, en bares sin mucha gente alrededor o en las habitaciones del hotel de campaña.
Pero el diablo, con el rostro de Tom Duffy (Paul Giamatti), jefe del comando adversario, mete la cola y el futuro de Meyers de pronto se ve en la cuerda floja.
A “Secretos de Estado” se le nota su origen teatral, no por defecto, sino por virtud: hay riqueza y solidez en los parlamentos y son éstos los que sustentan los hechos. Sobre las palabras se organiza la intriga y los actores —gran elenco, aportando cada cual un inmenso talento— construyen personajes complejos, seres en proceso de evolución, contradictorios, con dudas y reacciones de supervivencia... En suma, vitales, humanos.
Para el espectador desprevenido hay que advertir que la película no está para nimiedades como andar explayándose o haciendo comprensible la trama (aquí el que captó, captó...). La cantidad de personajes potentes y complejos hacen añorar, por momentos, aquellos listados con nombres y breves descripciones que algunas novelas policiales incluían en sus primeras páginas para consulta del lector más o menos distraído.
Aquí hay algo de las disquisiciones éticas de “Ausencia de malicia” (Sydney Pollack, 1981), con menos candor y más descaro.
Lealtad, dignidad, integridad son palabras que están en la boca de los personajes. Supervivencia, en sus actos.
“Secretos de estado” no es una historia sobre los vicios de aquél mundillo de congresales, asesores y ad lateres, aunque ciertamente escudriña en la trastienda del poder y muchos la han entendido como una feroz crítica a la clase política.
Qué nos distancia a cualquiera de nosotros de nuestros valores e ideales. Esa es la reflexión...
Es, al final de cuentas, una interesante y aguda exploración en las profundidades del ser humano como el animal político que definía Aristóteles, enfrentado a la desesperación de sobrevivir en ese entorno que ha construido y que ciertamente está cada vez más lejos del motivo que los congregó: el bienestar del pueblo.
Esto es más oscuro, definitivamente. Y escalofriantemente más real...
IDEAL PARA: todos los que trabajan en los pasillos e instersticios del poder (o quieren curiosearlo).
SECRETOS DE ESTADO
(“The Ides of March”)
Reparto: Ryan Gosling, George Clooney, Philip Seymour Hoffman, Paul Giamatti, Evan Rachel Wood, Marisa Tomei.
Direccción: George Clooney.
EE.UU., 2011.
Duración: 101 minutos.
TODO ESPECTADOR
BUENA
Por Ana Josefa Silva
En primer plano, blanco y negro, sin sonido, un hombre (guapo, muy maquillado) es torturado por otros dos. Esto es cine y una orquesta acompaña la proyección en una sala repleta de un público elegantemente vestido e impresionado con lo que ve. El protagonista de la escena —que luego sigue con su huida del lugar gracias a su perro, previo rescate de la dama— es la super estrella del momento, George Valentin (Jean Dujardin, nominado a mejor actor protagónico), un actor con el ego por las nubes, dichoso con el momento de fama y riqueza del que disfruta y el que no imagina que pueda terminar.
“THE ARTIST” debe ser una de las películas más esperadas pre Oscar 2011 (¡son 10 nominaciones!). Y es encantadora, sí... Casi tanto como insustancial. Es exactamente un homenaje al cine mudo y es bello ver cómo se recrea. Esto último, por lo demás, es el mayor mérito de la película.
Entre las fans que siguen a George devotamente está Peppy Miller (la franco-argentina Bérénice Bejo, nominada como mejor actriz secundaria). En la idílica vida del actor, la llegada del cine sonoro se transforma en una bomba... Sólo que él está lejos de sentirlo como una amenaza. Mientras, Peppy pasa de fan a estrella a la misma velocidad en que él se hunde, rechazando lo que considera un estúpido invento... Pero no acaba de funcionar, por ejemplo, como la gran reflexión sobre la resistencia al cambio y las rotundas consecuencias que esta actitud trae.
Presentada como comedia, “The artist” no parece decidirse por el tono que imprime a su historia. El director ha reconocido haberse inspirado en Murnau y el expresionismo alemán, pero finalmente se decidió por una historia romántica nice y predecible como muchas de las producciones que Hollywood hacía con sus estrellas del cine mudo.
La explícita opción del realizador por matizar la tragedia posible y convertir su creación en algo que resultara más agradable al público lo dice todo: es como haberle quitado la melancolía a “Luces de la ciudad”... Esta concesión sólo consigue “deslavar” la historia, a la que parece habérsele agregado algunos buenos momentos de humor, especialmente a cargo del encantador perrito amaestrado.
Es posible, entonces, que “The artist” funcione perfectamente para las generaciones que no han visto nunca los magníficos (o no tanto) clásicos del cine mudo (gran detalle, el impasse John Gilbert).
El esfuerzo de producción —maquillaje, dirección de arte, vestuario— es lo que vale la pena de ver. Y el perro.
IDEAL
THE ARTIST
Reparto: Jean Dujardin, Bérénice Bejo, John Goodman, James Cromwell.
Dirección y guión: Michel Hazanavicius.
Francia/Bélgica, 2011.
Duración: 1 hora 40.
TODO ESPECTADOR.
INTERESANTE
Por Ana Josefa Silva V.
Si las muchas tragedias que la propia humanidad se autoinfiere “sirven” para algo, posiblemente sea para recordarnos que detrás de las grandilocuencias y del cacareo de ideologías (en nombre de las cuales se cometen unos y otros horrores), siempre hay personas –de carne, hueso y alma– que cargan con el dolor que dejan estos actos.
“TAN FUERTE, TAN CERCA” va tras una de estas estelas, la barbarie cometida el imborrable 11S en las Torres Gemelas, y sigue a una de esas tantas familias mutiladas sin explicación.
Ese fatídico día, Thomas (Tom Hanks), un hombre de familia, corriente, ha ido hasta allá a una reunión... Mientras se suceden los hechos, habla con su esposa (Sandra Bullock, muy bien) –que, como el mundo entero, mira atónita lo que está ocurriendo por las pantallas de televisión, en vivo y en directo– e intenta comunicarse con su hijo Oskar (Thomas Horn), un singular niño de 11 años, con quien está especialmente unido y al que ha tenido la sabiduría de guiar en su inteligencia y extraño carácter, marcado, probablemente por un leve síndrome de Asperger.
Es en Oskar en quien se concentra esta mirada introspectiva a la tragedia de la pérdida, que lo convierten en un personaje muy especial, de muy peculiares dones, entrenado por su padre en la pesquisa y la búsqueda.
El chico encuentra casualmente en un jarrón una llave a la que él le asigna el valor de un virtual mensaje dejado por su padre. Así, se lanza en la búsqueda de aquello que esconde el misterio, buscando a personas de apellido Black (más de 200 en la guía telefónica de Nueva York). La travesía por las calles de la Gran Manzana implica para él enfrentar sus miedos profundos, premunido de su pandereta y su fantasía, encontrándose con los más diversos sobrevivientes.
Devastado por la tragedia, esta obsesión se convierte en su motor. Su abuela, quien aloja a un misterioso anciano (un notable papel que aprovecha muy bien Max von Sydow), es parte de su camino del duelo, el que ha de ser todo lo extenso que debe ser. No más. No menos.
Cada quien hará el proceso que deba hacer.
Stephen Daldry (“Billy Elliot”) vuelve a dirigir una historia dramática padre-hijo, esta vez basada en la novela de Jonathan Safran Foer, como en sus trabajos anteriores (“Las horas”, “El lector”), con un excelente guión adaptado.
Inteligente y conmovedora.
IDEAL
(“Extremely loud & incredible close”)
Reparto: Thomas horn, Tom Hanks, Max von Sydow, Sandra Bullock, John Goodman.
Dirección: Stephen Daldry.
EE.UU., 2011.
Duración: 2 horas 9 minutos.
TODO ESPECTADOR.
INTERESANTE
Por Ana Josefa Silva V.
Cae la nieve en París y en la movida estación de trenes de los años 30, un niño pálido de asombrados ojos azules se mueve oculto, como el fantasma de la ópera, entre la enorme maquinaria interior de los relojes de la gran torre. Hugo escapa a su destino en el terrible orfanato haciéndose cargo de lo que debería hacer el borrachín de su tío y "tutor", ausente hace meses. El chico ha aprendido con su padre el oficio del relojero. Ama las máquinas y su mecanismo. Las ama sobre todo porque le dan una contundente certeza a su vida incierta: jamás hay una pieza sobrante...
"LA INVENCIÓN DE HUGO CABRET", la película de Martin Scorsese que acapara 11 postulaciones al Oscar, es el gran homenaje del realizador neoyorquino al cine, enlazando los orígenes del Séptimo Arte a través de su sentida mirada a Méliès (fundador de toda fantasía y ficción en celuloide) con el último invento en movimiento: el 3D.
Vulnerable pero hábil, frágil pero perseverante, el chico ha de vérselas con el engolado jefe de estación (Sacha Baron Cohen, "Borat") y su temible doberman y con el adusto dueño de la juguetería (Ben Kingsley). De allí es que Hugo saca las piezas y partes con las que obsesivamente repara un "autómata" (máxima expresión del juguete a cuerdas), que no alcanzó a terminar junto a su padre (Jude Law). Cuando el juguetero lo pesca en estos hurtos comienza el cambio en la vida de Hugo...
Una vez superado el 3D, la nieve que se viene encima, la barroca Dirección de Arte y la parte Dickens de este niño solo y angustiado que se piensa como un Jean Valjean ("Los Miserables"), la película se abre. Y lo que se ve es el alma de esta historia, en todo su esplendor... La vida improbable de este chico cobra una dimensión distinta, cercana, y el homenaje a Méliès es mucho más que eso...
En su reparo se puede uno preguntar: la faramalla del 3D ¿para qué? ¿Para hacer visualmente atractiva una historia cuya principal virtud va por el lado contrario, es decir, aquello que no se ve?
Es cierto, la película demora en arrancar. Hay cierto majaderismo, cierto preciosismo que la hace una producción atiborrada, como la juguetería de Georges, como las puestas en escena de Méliès. Este exceso, en todo caso, tiene un sentido: hay mucho de dibujo, de decorados de teatro antiguo y de personajes de caricatura tras este concepto.
Pero más allá de este reparo, ¿cómo no va a ser reconfortante saber que a las máquinas no les sobran partes y que los seres humanos, cuando encuentran su propósito, también comprenden que no son piezas extras y que nadie lo es?
Siéntese bien atrás. Si no, el mareo es seguro. Y no lleve niños inquietos.
"La invención de Hugo Cabret"
("Hugo")
Reparto: Asa Butterfield, Ben Kingsley, Chloë Grace Moretz, Sacha Baron Cohen, Christopher Lee, Helen McCrory.
Dirección: Martin Scorsese.
EE.UU., 2011.
Duración: 126 minutos.
TODO ESPECTADOR.
CINEFILOS.
Por Andrés Nazarala R.
Todo parte en un remate. Ted Narracot (Peter Mullan) -un hombre atormentado por las deudas y el alcohol- gasta lo que no tiene por un caballo que provocará disgusto en su mujer (Emily Watson) y alegría en su hijo adolescente, Albert (Jeremy Irvine).
Este le enseñará a arar y lo entrenará, desafiando a los que lo consideran un animal inútil para la agricultura.
"CABALLO DE GUERRA" -basada en una novela de Michael Morpourgo- comienza aquí, en un pequeño pueblo de Inglaterra, donde Albert entablará "amistad" con Joey (así se llama) y trabajará junto a él para cambiar la precaria situación económica por la que pasa su familia.
Pero llega la Primera Guerra Mundial y Ted se ve obligado a vender a Joey. El nuevo dueño será un sargento del ejército británico que se lleva el caballo al frente de guerra.
Steven Spielberg -quien estrenó este filme casi al mismo tiempo que "Las aventuras de Tintín"-se dedica entonces a seguir al animal por una Europa que se desmorona, enfatizando las "relaciones" que va entablando con los personajes que encuentra en el camino, como un abuelo que trata de hacer feliz a su nieta en tiempos difíciles, o los muchos soldados que comparten el horror con el equino en las trincheras.
Por la idea central y su estructura narrativa, muchos se han atrevido a comparar "Caballo de Guerra" con la austera "Al azar, Baltasar" (1966), de Robert Bresson, la crónica amarga de las desventuras de un burro-mártir que funciona como personificación de Cristo.
Pero lo de Spielberg pareciera ir más bien por otro lado. Esto es un homenaje a la época dorada del cine, con sus grandes épicas, sus altas dosis de romanticismo y una ingenuidad que el director rescata de los pozos del olvido.
Aquí ciertamente está el cine de John Ford y el espíritu de las películas bélicas que se filmaban a la vieja usanza, medio siglo antes de la irrupción de la tecnología digital.
La banda sonora majestuosa de John Williams y la fotografía de Janusz Kaminski -en virtud de darle al filme un tono conscientemente añejado- contribuyen al cometido nostálgico de un Spielberg que vuelve a brillar en las escenas de guerra. Sus mejores momentos radican en el retrato -detallista, asombroso- de ese horror que contrasta con la humanidad que propone la cinta.
Intachable en lo técnico y en la construcción de una historia que atrapa, el realizador podría ser criticado en cambio por sus intentos de manipular sentimentalmente al espectador (su histórico talón de Aquiles). Pero las molestias frente a esta intención dependerán del gusto del espectador.
Es que el tributo de Spielberg a ese cine épico que pretendía ser "más grande que la vida" también abarca su misión final: conmover hasta las lágrimas.
"CABALLO DE GUERRA"
("War Horse")
Reparto: Jeremy Irvine, Peter Mullan, Emily Watson.
Dirección: Steven Spielberg.
EE.UU., 2011.
Duración: 146 minutos.
TODO ESPECTADOR.
INTERESANTE
]]>Por Ana Josefa Silva V.
Y por supuesto con estética kitsch, asomándose extrañamente fusionada con cierta pulcritud muy minimal.
Así es “LA PIEL QUE HABITO”, la última película de Almodóvar que llega mañana a carteleras chilenas, con Antonio Banderas en el rol protagónico y Marisa Paredes, cómo no, entre los secundarios.
Un médico cirujano, Robert Ledgard (Banderas), que padece sucesivamente: el suicidio de su esposa tras quedar casi por completo quemada en un accidente de auto sufrido cuando huía con el medio hermano de su marido (¡!); el suicidio de su joven hija por una vivencia traumática vivida cuando se estaba recuperando de otra vivencia traumática...
Luego, nuestro Dr. Frankenstein experimentando con la transgénesis (y haciéndole leru leru a la bioética) secuestra a un joven para vengarse (¿se acuerda de esa terrible película coreana “Old boy”?). Y lo hace cambiándolo de sexo para que experimente en carne propia lo que es ser una mujer violada...
Y suma y sigue...
Con él está una criada-madre de toda la vida, Marilis (M. Paredes), que a su vez tiene un hijo especialista en destrozos de toda índole (un sicópata de mucho cuidado) que entra a escena a hacer lo suyo...
Y suma y sigue...
Todo transcurre en Toledo (guiño explícito a la “Tristana” de Buñuel), en un palacete-castillo, El Cigarral, donde el Dr. Ledgard vive y tiene su quirófano (con letrero así, como en una película de Ed Wood).
Esta vez la truculencia, hay que decirlo, Almodóvar no la sacó de su imaginación (aunque le puso su sello, cómo no). La retorcida historia la encontró en una novela, “Tarántula” (Thierry Jonquet), pero el guión lo escribieron él y su hermano Agustín.
El melodrama se enriquece en la película con esas bandas sonoras inconfundibles y relevantes de las producciones de “El Deseo”. La boda, situación basal en esta historia, se extiende en el raconto y regresa para poner en el escenario a la mítica e inigualable cantante afroespañola Concha Buika.
Vicente luego Vera (Jan Cornet luego Elena Anaya), la pequeña Frankenstein (también una Sally de “El extraño mundo de Jack”), se disputa el protagonismo-antagonismo con el castizo doctor.
Hay al menos un par de errores gruesos de continuidad, pero todo el relato es tan improbable (¿o para la venganza, el odio y el amor todo puede ser?) que pedirle realismo a esta historia puede ser hasta ridículo.
La estructura de presente, racontos y flashbacks está perfectamente rotulada, de manera que el espectador es introducido de a poco y con mucho suspenso, pero con claridad, a un cuento retorcido como pocos.
En estos días de ver películas oscariables, hemos constatado que mucho de lo que viene de Hollywood ha mostrado una pésima capacidad para cerrar historias, prolongándolas en numerosos epílogos o en una languidez narrativa desconcertante.
“La Piel que habito” es, en este aspecto, magistral.
La frase final, esa última escena, potencia toda la película, no sólo porque el realizador evidencia su talento para ponerle fin al relato en la cúspide de la emoción, sino porque (y gracias a eso) allí se develan y saltan cantidad de temas de esos que a uno le gusta llevarse para la casa una vez que dejó el cine.
Truculencia a lo Almodóvar garantizada (violaciones incluidas).
IDEAL PARA: espíritus resistentes.
“LA PIEL QUE HABITO”
Reparto: Antonio Banderas, Elena Anaya, Marisa Paredes, Jan Cornet, Roberto Alamo, Blanca Suárez.
Dirección: Pedro Almodóvar.
España, 2011.
Duración: 120 minutos.
MAYORES DE 18 AÑOS.
BUENA.
]]>Por Andrés Nazarala R.
En España, “EL ARBOL DE LA VIDA” (Palma de Oro en Cannes) recibió un récord de reclamos de gente que se vio forzada a abandonar las butacas. Algunos complejos tuvieron que instalar un letrero en la entrada para explicar que no se trata de una película “convencional”, mientras que un cine de Barcelona ofrecía la posibilidad de cambiarse de sala durante la primera media hora. En el aviso se leía: “Si la película le resulta aburrida, por favor, no moleste a los demás y salga antes de transcurrir 30 minutos”. Pese a todos estos chascarros, la cinta se instaló en la cima de la taquilla en el país. Y esto tiene mucho que ver con Brad Pitt...
Falsa alarma. Lo que podría parecer un blockbuster (en los créditos también figura Sean Penn) es probablemente la apuesta más ambiciosa y libre del cineasta Terrence Malick (“Malas tierras”, “La delgada línea roja”), un tipo ermitaño que filma cuando quiere, no da entrevistas, falta a los estrenos y construye películas “trascendentales” capaces de espantar a la audiencia más conservadora y entusiasmar a los que están abiertos a las experimentaciones.
Los dos polos cuentan con válidas razones. “El árbol de la vida” puede ser una tortura si lo que se busca es entretención y una narración lineal pero, al mismo tiempo, se impone como una propuesta personal y arriesgada en tiempos de fórmulas probadas.
Malick aprovecha el luto que vive una familia de los años 50 ante la muerte de su hijo para ofrecer una mirada panteísta de la existencia donde el Universo, la naturaleza y Dios parecieran ser la misma cosa. OK. Puede chocar ver a Brad Pitt como un padre de familia y al poco rato estar observando a un dinosaurio, o contemplando imágenes en alta definición que parecieran haber sido extraídas de “National Geographic”.
Pero lo bueno es que Malick conduce sus reflexiones visuales de buena manera y, aunque formula preguntas altisonantes del tipo “¿de dónde venimos?, ¿hacia dónde vamos?”, no convierte esto en un irritante ejercicio intelectual. Con sus largos travellings, su aproximación asombrada y respetuosa ante una naturaleza que parece sagrada y una banda sonora sublime de Alexandre Desplat, “El árbol de la vida” puede ser también un viaje sensorial —a ratos caprichoso y antojadizo— pero tan enigmático y fascinante como su director.
IDEAL PARA: Confiar en Brad Pitt (también productor).
“EL ARBOL DE LA VIDA”
(“The Tree of Life”)
Reparto: Brad Pitt, Sean Penn, Jessica Chastain.
Dirección: Terrence Malick.
EE.UU., 2011.
Duración: 139 minutos.
TODO ESPECTADOR.
CINEFILOS.
Así se inicia “LOS DESCENDIENTES”, la nueva película de Alexander Payne (“Entre copas”), nominada a 5 Oscar.
El relato es de Matt King (George Clooney), abogado, casado, dos hijas. Un tipo que, como cualquiera en cualquier lugar del globo, se levanta todos los días a trabajar, hace viajes de negocios y almuerza algo de su lunchera en el desordenado escritorio de su oficina en la ciudad de Honolulu (OK, es mejor que amanecer en Alto Hospicio).
King pertenece a una familia de herederos, que maneja un fideicomiso: en sus ancestros hay realeza hawaiana y hombres blancos de fortuna. El y sus innumerables primos deben resolver qué hacer con las grandes extensiones de tierra que han recibido en herencia.
Pero su esposa Liz sufre un accidente que la deja en coma y Matt se encuentra con que, por ejemplo, su hija Scottie ya tiene 10 años y no se parece a la pequeñita a la que alguna vez la prestó atención. Alexandra, su hija mayor, vive en un exclusivo colegio en otra isla (todo aquí parece ser a distancia de bus-avión), tiene 17 años y ejerce de adolescente: mucho trago, taimes, garabatos, pololo pastel y una bronca gigante contra su mamá por haberla descubierto en un mal paso y otro tanto con su padre por ser tan perno de no haberse dado cuenta.
En una semana, Matt deberá ser capaz de lidiar con sus niñitas, con el pololo de Alexandra, con sus peculiares suegros y con el familión que lo presiona respecto a la herencia. En esos pocos días se enfrentará a dos decisiones vitales y trascendentes, a partir de situaciones nuevas y otras que estaban allí, bajo sus barbas, y que sencillamente no había visto.
En esta película no hay villanos ni santos, sino personas intentando vivir; gente que aprende no por obra de milagro sino que a “encontronazos”, con todas las asperezas que implica la convivencia. Tampoco hay muertos buenos ni grandes traumas que superar. El dolor de ver a la madre de familia en estado de coma se mezcla con la rabia de los asuntos no resueltos y las cuentas nunca cobradas.
Madurar y asumir, algo que debió hacerse antes, ahora es una tarea ni más ni menos que del todo ineludible...
Una suerte de mix entre “Little Miss Sunshine” y “Entre Copas”, “Los descendientes” carece de ese encanto a borbotones que es el sello de esas dos cintas y de la profundidad amable de “Las confesiones del Sr. Schmidt” (otra de Payne). O más bien lo tiene, pero se diluye a medio camino.
George Clooney se hace cargo, y de manera eficiente, de este personaje que, tal como el Schmidt de Jack Nicholson, despierta de un cierto letargo vital tras los acontecimientos que le dejan al descubierto lo que su más bien monótona vida le opacaban.
Un muy buen drama familiar, con bienvenidos toques de humor, que comienza y se desarrolla fluido y eficaz, pero que va perdiendo el nervio en las secuencias de su tercio final.
La música (autóctona), harto machacona...
"LOS DESCENDIENTES"
(“The descendants”)
Reparto: George Clooney, Amara Miller, Shailene Woodley. Beau Bridges.
Dirección: Alexander Payne.
EE.UU., 2010.
Duración: 110 minutos.
TODO ESPECTADOR + 7
INTERESANTE.
.
]]>
Por Andrés Nazarala R.
¿Cuál es el sentido de un remake más allá de su propósito comercial? ¿Puede una película así ser mejor que su referente? Este tipo de interrogantes han surgido desde que Hollywood anunció la decisión de tener su propia versión de la trilogía “Millenium”, del fallecido escritor Stieg Larsson, la que ya contaba con una estupenda adaptación cinematográfica hecha en Suecia.
¿Oportunismo? ¿Otra señal de una industria hambrienta y avasalladora? Lo cierto es que la noticia de que David Fincher (“Los siete pecados capitales”, “Zodíaco”) se haría cargo de la dirección redujo en cierto grado las suspicacias. Y sí. “LA CHICA DEL DRAGON TATUADO” terminó siendo una película muy Fincher. Y ahí radica su valor.
Ahora bien, narrativamente es fiel a la apuesta original. El periodista Mikael Blomkvist (un lacónico Daniel Craig) —quien espera una amonestación tras ser cuestionado profesionalmente— es contratado por un magnate (Christopher Plummer) para que investigue sobre la desaparición de su sobrina, ocurrida hace 40 años.
Su camino se cruza con el de Lisbeth Salander (Rooney Mara), la entrañable hacker que ha sabido cómo sobrevivir en su mundo marcado por la violencia y el abuso. Juntos formarán una singular dupla que se verá envuelta en un entramado escalofriante de misterios familiares y asesinatos.
A diferencia de la cinta sueca, el relato policial no avanza aquí con tanta fluidez. Y eso es básicamente porque David Fincher pareciera estar más preocupado de los condimentos que de las articulaciones narrativas. El responsable de ese intrigante puzzle llamado “Zodíaco” se concentra aquí más bien en marcar una diferencia con la película original mediante su estilo torcido y sombrío. Como en una larga y epatante escena de violación cuyos propósitos son reforzados por la banda sonora maquinal y espesa de Trent Reznor (líder de la banda Nine Inch Nails y responsable del soundtrack de “Red social”).
Desde la música hasta la textura visual (con esos tonos gélidos), pasando por las actuaciones frías y distantes, “La chica del dragón...” lleva al extremo los ingredientes de violencia y alejamiento emocional que ya estaban presentes en el filme sueco.
La diferencia es que, si en el primero la desolación y la crudeza eran elementos que constituían un panorama integral, aquí lo sombrío tiene algo de efectista.
Fincher quiere perturbar, como si esa actitud lo distanciara de los típicos agentes del remake, cuyo trabajo consiste en suavizar apuestas cinematográficas para públicos masivos.
Es que si “Los hombres que no amaban a las mujeres” funcionaba como un tango nórdico, la versión de Fincher es puro ruido industrial, interpretado con máquinas y gritos.
La Lisbeth de Rooney Mara es tema aparte. Aunque está nominada al Oscar, no provoca lo mismo que Noomi Rapace en la cinta original. No es un mal desempeño, por cierto, pero cuesta sacarse de la cabeza a la primera Lisbeth, el mejor personaje de toda la saga.
“LA CHICA DEL DRAGON TATUADO”
(“The Girl with the Dragon Tattoo”)
Reparto: Daniel Craig, Rooney Mara, Christopher Plummer.
Dirección: David Fincher.
EE.UU./Suecia/Reino Unido/Alemania, 2011.
Duración: 58 minutos.
MAYORES DE 18 AÑOS.
INTERESANTE.
]]>