Una película indie , fresca, que ni pasó por los Oscar, pero que tiene mucho más que decir sobre el ser humano que "Avatar" y otras taquilleras por el estilo.

Partiendo por la presentación y la gráfica, la claridad divertida con que nos introduce a esta serie de racontos y cómo el narrador nos explica que esta "no es una historia de amor". Y claro, es como el no cumpleaños de Alicia, que al final es otro tipo de cumpleaños...

Tom (Joseph Gordon-Levitt) es un joven arquitecto que se gana la vida escribiendo frases para tarjetas (tipo "Village"). Él cree en el amor, con esa fe que mueve a algunos a buscar a LA persona precisa, porque obviamente ha de existir (y su imaginación los hará encontrarla, claro)... En la oficina conoce a Summer (Zooey Deschanel), una chica ingrávida de ojos azules penetrantes, que piensa exactamente lo opuesto y que lo dice con el mismo encanto y simpleza con que aborda todo.

Básicamente Summer lo descoloca: pareciera no considerarlo en demasía, pero de pronto, en la fotocopiadora, ella le da un beso. El se queda tartamudo.

Tom comparte cuitas con sus amigos Paul (Mathew Gray Gubler, "Criminal Minds") y MacKensie (Geoffrey Arend), a quienes les va contando sus asombros y angustias ("te estás portando como una chica", le dicen)...

Ella opina que "el amor no existe, es una fantasía" y que la gente sale lastimada... Summer es casualmente desconcertante.

En esta relación-no relación que llevan, él indaga. Y siempre recibe respuestas directas... que lo dejan con más dudas, o bien, con un interno "no quiero saberlo". Summer es tan sencilla que por lo general su respuesta a "¿y qué pasó?" es una encogida de hombros y un "lo que siempre pasa: la vida".

El debutante director (geniales los guionistas) volcó experiencias personales en este filme. El resultado es una película particularmente sensible en mirar las relaciones desde el punto de vista de los hombres de hoy, un par de generaciones más jóvenes que John Cusack en "Alta fidelidad" (2000), y algo más profundamente que "Amor sin escalas" (en cartelera, con George Clooney). Ello queda en evidencia no sólo en la historia, sino que también en el trabajo de montaje -que va y viene en racontos-, el que si bien "desordena" las fechas, da en el clavo al organizar los sucesos emocionales que remecen al protagonista, que se mueve entre la incertidumbre, la desinformación y la dificultad de asimilar lo que su ¿novia? le está diciendo con todas sus letras.

El ascensor de esa oficina poco glamorosa es la metáfora perfecta, maravillosamente simple (que es exactamente lo opuesto a obvia).

Esto es como aquello de que "el amor es realmente una tormenta de la imaginación" (Ray Loriga), pero sin trazos de amargura ni gota alguna de melancolía.

Al contrario: en "500 DIAS...", si bien nadie hace una chacota del dolor de la pérdida, tampoco se olvidan de que, al final de cuentas, nada puede ser taaaan grave y, sobre todo, que nada es para siempre.

Además, hay que advertirlo, la película, en muchos momentos es para reírse a carcajadas, pero sólo porque se trata de un guión agudo como pocos. Es decir, no hay comedia romántica, ni chistes pegados a propósito de nada. Este es un drama bien contado, con sentido de realidad y con optimismo también.

No se la pierdan.

"500 DIAS CON ELLA" "(500) Days Of Summer"

 Reparto:  Joseph Gordon-Levitt, Zooey Deschanel, Geoffrey Arend, Chloe Moretz.

 Dirección:  Marc Webb.

EE.UU., 2009.

 Duración:  1 hora 35 minutos.

 MAYORES DE 14 AÑOS.

 HHHHH

Quien vea a los Oscar como un barómetro de lo mejor del cine tendrá un panorama bastante equívoco y pobre de la producción fílmica de nuestros tiempos. Es que fácilmente podríamos elaborar una extensa lista de películas olvidables (como “Crash”, ese fallido e insoportable filme sobre el racismo dirigido por Paul Haggis que terminó llevándose el premio mayor en el 2006), o derechamente repudiables, que han sido enaltecidas por la Academia.  Pero pocas han llegado tan bajo como “PRECIOUS”, nominada a seis premios.

 Producida por Oprah Winfrey (peligroso es que una personalidad influyente como ella avale un retrato tan burdo sobre la comunidad afroamericana que la sigue y respeta) y basada en la novela “Push”, de la escritora Sapphire, la cinta sigue los pasos de Claireence “Precious” Jones. Ella es una adolescente obesa de 16 años de edad que debe lidiar con su segundo embarazo no deseado, producto de los abusos sexuales de su padre. Su madre no tiene conciencia de la situación y ve a su hija como una rival que le ha quitado al hombre que le entrega placer.

El director Lee Daniels retrata el descenso de Precious al infierno terrenal —buena parte del guión consiste en una sucesión progresiva de calamidades— con la excusa de ofrecer una muestra “honesta” y cruda de cine social. Pero poco realismo hay en un filme maniqueo y exagerado que ofrece escenas de efectismo intragable: la celosa madre lanzando al suelo al bebé de su hija, la adolescente vomitando los pollos fritos que acaba de comer, varias postales de miseria doméstica llevada a extremos vergonzosos... Escasa verdad puede existir cuando los personajes son seres artificiales, carentes de matices, atrapados en situaciones extremas y estúpidamente excesivas.

 No es que los conflictos planteados en “Precious” no existan fuera de la pantalla; el problema radica en la forma en que Daniels los muestra. Si estamos frente a esos duros dramas de la vida real que se imponen por peso propio no es necesario caricaturizarlos ni decodificarlos usando la siempre inaceptable fórmula de “malos versus buenos”. La torpeza de Daniels termina siendo cruel. Su visión de mundo resulta inhumana, tonta, grotesca.

 Hay agravantes: una estética deslavada que más que postura artística refleja pobreza de recursos y un mensaje de esperanza que parece una campaña para promocionar el trabajo de los asistentes sociales norteamericanos (una de las encargadas de enderezar a Precious es Mariah Carey sin maquillajes. Lenny Kravitz se puede ver también en otra escena).

 Todos los elementos nos conducen a una obra morbosa y exhibicionista que, más allá de todas sus torpezas, incomoda por su rol aleccionador. Daniels parece decirnos que “de ahora en adelante tratemos bien a las obesas mórbidas y pobres porque también son humanas”.

Lars von Triers, uno de los cineastas más crueles de este planeta (acostumbrado a torturar a sus personajes), no tiene problemas en vociferar su maldad. El cínico de Daniels en cambio humilla a su patito feo, envolviendo el acto en las sábanas de un falso interés humanitario; cocinando efectismos con la sensibilidad de un culebrón manipulador.

Lejos estamos de algo como “A todo o nada”, de Mike Leigh, esa inteligente película que también versa sobre obesidad, pobreza y familias trizadas. Consideremos a esa obra del británico como la contraparte de este desechable y curiosamente sobrevalorado malgasto de celuloide.

IDEAL PARA: Entender que los Oscar en realidad no tienen que ver con el cine.

“PRECIOUS”

Reparto: Gabourney Sidibe, Mo’Nique, Mariah Carey.

Dirección: Lee Daniels.

EE.UU., 2009.

Duración: 1 hora 50 minutos.

MAYORES DE 14 AÑOS.

MALA

¿Hay algo más que decir acerca de la guerra que no lo hayan dicho ya las innumerables producciones bélicas disponibles en el mundo entero, desde que el cine existe?

Parece obvio que mientras haya guerra, la respuesta sea sí.

La pregunta es si alguna nueva película nos hará ver aquel trazo humano en el que no habíamos reparado.

Kathryn Bigelow sí tiene algo que decir en “VIVIR AL LÍMITE”, la película que compite con “Avatar” y su ex, James Cameron, por los Oscar.

La directora detiene su mirada en un particular oficio que ha debido profesionalizar el ejército estadounidense en Irak: los técnicos de bombas.

“Vivir al límite” es un drama desesperanzado pero sobrio, que ubica a los soldados en su escenario “laboral” y que mezcla crudeza con rutina, en una combinación que aporta más realismo que si hubiese optado por el gore, una tentación nada fácil de soslayar en un género como éste.

Sin llegar a ser sicologista, la película expone al espectador más a una pregunta que a una respuesta: qué ocurre cuando tu “pega” es jugar a los dados cada mañana (o noche), como dice uno de los personajes, con sólo dos opciones: vives o mueres; a qué se ha de renunciar en un normal desarrollo emocional para ser apto para aquello (por ejemplo, a la capacidad de amar).

Bagdad, 2005, un día cualquiera. Aviso de bomba. La compañía acude con su robot, sus trajes especiales... La tensión no se detiene. No sólo por saber si el artefacto explotará antes, después o durante, sino porque el ambiente hostil que rodea al grupo y, sobre todo, la imposibilidad de saber quién es enemigo, quién victimario, quién víctima, mueve a los personajes en un trajín controlado y nervioso a la vez. La cámara ayuda: inestable (al hombro), con acercamientos o alejamientos bruscos, un montaje igualmente tenso...

Es un día más, de esos que se descuentan, como en las cárceles.

El sargento William James (Jeremy Renner), un ranger que luce en su currículum un impresionante número de bombas desactivadas, llega a hacerse cargo del grupo en lo que ahora se llama Camp Victory. James es un hombre que no se asombra ni se ofende con facilidad y que incluso sabe relacionarse con un medio de códigos peculiares. Tiene algo de llanero solitario, sin caricatura.

Aquí se dispara sin saber a qué y también por si acaso. A veces es en pleno desierto, a veces en los márgenes de la ciudad, otras en medio de lo más poblado de esa urbe destrozada. El descanso es con mucho alcohol, con juegos de peleas, con curiosos “recuerdos” guardados bajo la cama.

Mientras, la compañía “Bravo” cuenta los días que le restan a su misión, un conteo que puede resultar del todo inútil, ya sea porque un día tocó la muerte o simplemente porque la guerra no piensa en terminar.

A medida que avanza el metraje, los cortes de una secuencia a otra son cada vez más precisos hasta configurar un contraste que puede parecer hasta más violento que cualquier otra escena y la distancia de lo que parecía un estilo documental, a lo que contribuyen más el desempeño actoral —convincente, sólido, coherente— que la intención de estilo.

 En este sentido la resolución de la historia —o más bien la no resolución— termina por perfilar a este filme como uno de los más valiosos y potentes que se hayan filmado sobre esa barbarie que el ser humano no ha logrado desterrar de la faz de la Tierra aún en el siglo XXI.

A su potente aporte de contenido la película exhibe como mérito el magistral manejo del suspenso, un suspenso en sordina, nada aparatoso. Como los diálogos, que son triviales (o todo lo que pueden ser). No son los soldados los que nos entregan grandes reflexiones: ellos sólo nos exponen lo que viven los miles de seres humanos que viven actualmente en guerra.

 IDEAL PARA: Ver cine del bueno.

“VIVIR AL LÍMITE”

(“The hurt locker”)

Reparto: Jeremy Renner, Anthony Mackie, Brian Geraghty, Guy Pearce, Ralph Fiennes, David Morse.

Dirección: Kathryn Bigelow.

EE.UU., 2008.

Duración: 2 horas 10.

Mayores de 14 años.

MUY BUENA.

Sólo un actor de talento superlativo como Daniel Day-Lewis pudo salvar bien de esta curiosa película que es “NINE”, mezcla de musical convencional con drama freudiano resuelto como en horno microondas.

El actor inglés (ahora irlandés) tiene la suficiente prestancia escénica como para sentirse, percibirse y verse como lo exige su rol, esto es, un guapo italiano, director de cine mimado por los productores, la prensa y todo el mundo, con una pléyade de féminas a su disposición.

Guido está en plena crisis creativa. Imposible de otro modo: básicamente, él es un hombre que contempla su ombligo de intelectual y mujeriego (donde no hay más que ego, por cierto) y que se ha vuelto repetido incluso en sus formas de seducción...

Pero entretanto se va conociendo esta “gran verdad”, el espectador tendrá que creerse que —como le pasaba al James Bond de Sean Connery y al Bob Fosse de “All that jazz”— las más fascinantes y guapas mujeres yacen rendidas a sus pies, dispuestas a cualquier cosa por él (bueno, sí, Daniel es muuuy guapo).

De manera que este costoso musical se va desarrollando de ese modo: Guido, encantador, ingenioso, hábil, habla a la prensa de una película que ya tiene hasta afiche, pero de la que se cuida muy bien de revelar que no ha esbozado ni una sola línea. Mientras la trouppe que lo sigue —productores, vestuaristas, escenógrafos, etc.— espera alguna palabra del maestro, van desfilando, cada una con su propio cuadro musical, las mujeres de este súper Narciso. A modo de presentación, ellas han interactuado en un baile y coro en medio de una magnífica escenografía llena de escalinatas, telones y bastidores. Es decir, para partir hablando, lanzan al asombrado espectador una pléyade de actrices como para dejar a cualquiera con la boca abierta (ver ficha).

Sophia Loren, como el fantasma de su madre; Kate Hudson —notable: un encanto incombustible—, la periodista americana; Marion Cotillard, la abnegada esposa; Penélope Cruz, la amante oficial; Judi Dench, la vestuarista fiel; Nicole Kidman, la musa-diva; Fergie (la cantante), la mujer voluptuosa de su niñez.

Una historia que parte como paso de comedia (de enredos) y que deriva en algo así como una crisis de pánico para nuestro protagonista cuando la paciente esposa le dice cosas como “abres la boca y sale una mentira” o “eres un apetito: si dejas de ser voraz, te mueres”. Lo que deriva en una desgarrada canción de Guido (“mi vida no se parece a nada de lo que había planeado”).

Todo ello en la Italia en la que Adriano Celentano era un hit.

De este listado de cuadros musicales, los más atractivos resultan los de Kate Hudson —con un montaje casi vertiginoso— y el de Pé, extasiante, aunque nada que merezca una nominación al Oscar ni a ningún otro premio (¿será porque luego aparece despeinada, llorosa y con el maquillaje corrido?).

Por momentos fascinante de mirar, “Nine” parece una película desintegrada: por un lado, la chispeante historia musical; por el otro, la de un hombre vacuo en crisis (¿habrá algo más patético que un mujeriego arrepentido?). Dos películas en una.

Algo larga...

IDEAL PARA: mujeriegos en proceso de arrepentimiento; fans de los musicales.

“NINE”

Reparto: Daniel Day-Lewis, Marion Cotillard, Penélope Cruz, Judi Dench, Fergie, Kate Hudson, Nicole Kidman, Sophia Loren.

Dirección, producción, coreografía: Rob Marshall.

EE.UU./ Italia, 2009.

Duración: 2 horas.

TODO ESPECTADOR

INTERESANTE

“DESDE MI CIELO” sería la típica película sobre la vida en los suburbios norteamericanos bajo la mirada de una pre-adolescente de no ser por un detalle: la chica narra todo desde la muerte.

Susie Salmon, de 14 años de edad, fue brutalmente violada, asesinada y descuartizada por un vecino sicópata que ha actuado con tal precisión que el crimen ha quedado impune. La familia —padre, madre y abuela— vive el doloroso luto mientras la niña observa el mundo por última vez antes de instalarse definitivamente en el paraíso.

Peter Jackson se atreve a adaptar la novela “The lovely bones”, de Alicia Sebold (best-seller en algunos países), mostrando el pasaporte que lo avala como uno de los realizadores más desafiantes de la industria. Después de todo, es responsable de la hazaña de haber llevado a la pantalla grande la “infilmable” saga literaria de Tolkien.

Pero dicha proeza no lo salva de caer en el vacío. Más allá de lo complejo que resulta adaptar un libro confesional en primera persona (J.D. Salinger consideraba que por eso “El guardián en el centeno” no podía ser filmado), hay mundos que funcionan mejor en el papel que cuando son graficados concretamente al servicio del cine. Gran parte de la experiencia literaria depende de la imaginación; de lo que está ahí, inconcluso y borroso, para ser completado.

El resultado es una cinta que se vuelve excéntrica e insípida en la puesta en escena y termina siendo una fusión desbalanceada de cuatro películas distintas. Por un lado, es una historia de iniciación adolescente (o, digamos, la frustración del proceso) con una chica que pierde la oportunidad de besar por primera vez por culpa de la muerte. Por otra parte, es un thriller policial centrado en un asesino astuto que burla a la policía y un padre en busca de justicia. Es también un drama sobre la pérdida, en la línea de las impecables “Desde el dormitorio” y “La habitación del hijo” (curiosamente también musicalizada por las envolventes atmósferas de Brian Eno) y, por último, una cinta de fantasía “new age” que no teme en mostrar los vastos (y digitales) senderos del más allá.

Aunque sale mejor parada en los momentos de suspenso o cuando aborda la nostalgia dolorosa que se impone en el hogar de los Salmon, “Desde mi cielo” —más cercana a “Criaturas celestiales” que al resto de las obras del realizador— es una película fallida que, como agravante, destapa la risa en algunas escenas concebidas como instantes dramáticos. Lo peor que le podía pasar a Jackson, un cineasta que perdió fuerza después de deshacerse del anillo.

 IDEAL PARA: Seguidores de Brian Eno; la banda sonora recopila canciones pertenecientes a su mejor etapa.

“DESDE MI CIELO”

(“The Lovely Bones”)

Reparto: Saoirse Ronan, Mark Wahlberg, Rachel Weisz, Stanley Tucci.

Dirección: Peter Jackson.

EE.UU./Reino Unido/Nueva Zelanda, 2009.

Duración: 2 horas 15 minutos.

MAYORES DE 14 AÑOS.

REGULAR

Lawrence Talbot (Benicio Del Toro) es un noble que, por petición de la novia de su hermano desaparecido (Emily Blunt), sale en su búsqueda, descubriendo un mundo oscuro del que no podrá escapar. Pronto, luego de ser mordido por una criatura que cobra vidas en los bosques del pueblito victoriano de Blackmoor, experimentará en carne propia lo que es ser un licántropo. Anthony Hopkins encarna a su distante padre y Hugo Weaving al inspector Abberline, personaje real que persiguió a Jack El Destripador.

El cine revisionista, tan común en el Hollywood de hoy, tiene una misión que pocas veces logra concretar: ser actual sin atentar en contra de la fuente original. ¿Acaso es posible distanciarse completamente de las obras pioneras? Y ya que hablamos de terror: ¿Es “Crepúsculo” un modelo a seguir como muestra de un cine bastardo que reniega de sus antepasados? (¿Qué diría papá Drácula de esos vampiros adolescentes que juegan béisbol y no se atreven a morder a sus víctimas?).

Lo cierto es que los clásicos son una fuente eterna de inspiración y “EL HOMBRE LOBO” bebe de ella. Es el gran mérito de esta película dirigida por Joe Johnston (“Jurassic Park III”): recuperar el clima de esas imprescindibles cintas de terror realizadas por los estudios Universal, en especial el filme homónimo de 1941 con Lon Chaney Jr. en el protagónico.

 Romanticismo de novela, manicomios, sesiones prácticas del Colegio de Médicos (como las que analizaban a John Merrick en “El hombre elefante”), sangre sobre bosques y calles empedradas...“El hombre lobo” debe ser la película de terror más nostálgica del último tiempo.

¿Nuevos aportes? Una estética gótica que recuerda al Tim Burton de “Sleepy Hollow” y una frontal pero elegante dosis de gore en las escenas de asesinatos.

Es el cine de ayer dotado de la violencia explícita de hoy; el matinée homenajeado en la función de trasnoche. “El hombre lobo” es tan osada como respetuosa.

 IDEALPARA: Cinéfilos nostálgicos.

Un policía toma declaración a un hombre, Pigoil, el que, en su opinión, no tiene aspecto de asesino. Pero está acusado de matar a alguien.

Así parte “LA CANCION DE PARIS”. El relato del sujeto nos retrotrae al París de 1936, cuando un grupo de actores y técnicos daban vida —o lo intentaban— a un music-hall de barrio, el Chansonia, en un sector obrero del norte de la ciudad luz, al que todo el mundo conoce como el “faubourg” (así, sin apellido). Pigoil es el utilero y está casado con la actriz principal, con quien tiene un hijo, Jojo.

Pero las deudas del dueño del teatro con mafiosos, que llegan a amenazarlo en la misma función de Año Nuevo, terminan con la vida del empresario y la del lugar.

Lo que viene latamente son las peripecias de Pigoil por reabrir la sala, quien, para más encima, ha de enfrentar el abandono de su mujer y, luego de meses de ausencia, que ella le quite a su adorado hijo. Todo ello cruzado con la efervescencia política del momento, a la cual suscribe Milou, un guapo y apasionado revolucionario, técnico del grupo. A ellos llega a sumarse una bellísima chica, Douce, que resulta no sólo un acierto artístico y tan dulce como su nombre, sino que está más ligada a esa troupe de lo que suponen.

Por todo lo vibrante que fue “Los Coristas”, esta vez el director Christophe Barratier más bien arrastra una suerte de telenovela a la francesa, que tiene algo de “Nino”, “El Pibe” y “Mrs. Henderson presenta”, sin nada del encanto de esta última (Judi Dench y Stephen Frears mediante).

 La nostalgia es una emoción con requisito: para sentir el dolor de haber perdido algo, antes hay que haberlo tenido. Pero si, como dice la canción, “nunca me tendrás ni he de tenerte”, bueno, ni modo... En este caso, si no se ha vivido (o la película no logra involucrar al espectador como si así fuese)... Porque por alguna razón, el teatro de Faubourg y sus artistas cesantes se sienten menos conmovedores que patéticos.

Es un asunto de nostalgia ajena.

 IDEAL PARA: Comunidad francesa residente.

En una cancha de césped impecable, un grupo bien entrenado y mejor equipado juega rugby. Cuando la cámara agranda el plano (vía zoom back), vemos al otro lado de la cerca un camino de tierra y, enseguida, una extensión polvorienta donde niños negros juegan al fútbol con lo que pueden.

Es 1990. Nelson Mandela acaba de ser elegido Presidente de Sudáfrica en una misión francamente compleja: gobernar con las aspiraciones de la mayoría negra y los temores de la minoría blanca. Misma que acaba de “renunciar” a ese violento y peculiar privilegio de discriminación que se conoció como apartheid.

“INVICTUS” está basada en el libro de John Carlin (que estuvo hace poco en Chile), quien escogió con sensibilidad y agudeza una etapa perfectamente acotada del largo mandato de Mandela, la que arroja más luces sobre la valía del liderazgo del primer Presidente sudafricano negro: el del año 1995, cuando su país ganó el campeonato internacional de rugby.

Dirigida con garra por Clint Eastwood, la película no sólo seduce al espectador desde que empieza hasta que finaliza, sino que logra trascender el cliché aquel de las historias de grandes logros. El que el guionista sobrecargara a Mandela de frases “village” (sobre todo al comienzo) no le resta ni un mérito al resultado.

Y ello tiene que ver en gran medida con el espléndido, sobrio y preciso desempeño actoral de Matt Damon, como el disciplinado, más bien silencioso y casi estoico capitán de la Selección Nacional de rugby, François Pienaar. Ese contrapunto es clave en la historia. Y que el Presidente descubra que en el rugby —cuyo equipo es símbolo del “apartheid”— y en las páginas de Deportes está la clave de la integración de una nación profundamente dividida; que la reconciliación es la base de todo, tanto como lo es la mirada hacia el futuro.

Porque más que ser la perfecta película para un seminario de liderazgo, “Invictus” se sumerge en aquella parte del factor humano que se requiere para escalar cerros escarpados, cruzar desiertos o romper ventanales en pos de la propia liberación... y la de un país cruzado por una ruda historia.

Un proceso que requiere inspiración, como dice Mandela, y “foco”; disciplina y perseverancia. Sobre todo perseverancia, esa larga palabra que abarca otras igual de inmensas, como seguridad, pero de la humilde; valentía, de esa con delicadeza; serenidad mezclada con decisión; prudencia y resistencia; compasión, generosidad, paciencia activa y hasta sentido del humor.

De paso, es una importante reflexión sobre la condición del líder, como aquel que es propositivo (más que “consultivo”) porque ve más allá de sus asesores; que crea y abre instancias y espacios insospechados y que sabe lo que quiere y cómo lograrlo. Es decir, un obstinado-razonable y con sentido común.

 “INVICTUS”

Reparto: Morgan Freeman, Matt Damon, Tony Kgoroge.

Dirección: Clint Eastwood.

EE.UU., 2009.

Duración: 2 horas 15.

TODO ESPECTADOR

MUY BUENA

Antes de la sobrevalorada “Juno”, el director Jason Reitman realizó “Gracias por fumar”, comedia que sigue al vocero de una compañía de tabacos cuyo trabajo consiste en promover el cigarrillo. En “AMOR SIN ESCALAS”, el realizador vuelve a acercarse al mundo corporativo a través de otro personaje de ética cuestionable: Ryan Bingham (George Clooney), una suerte de “despedidor” top que recurre a una serie de eufemismos para explicarles a los elegidos que ya no seguirán en sus puestos de trabajo.

Favorecido por la crisis económica, Ryan actúa con cinismo y frialdad, y ama un oficio que le permite viajar por el mundo, llevando una vida individualista, llena de hoteles de lujos, conferencias, clubes exclusivos, millas de vuelos y relaciones casuales.

Reitman retrata con agilidad este mundo superficial y aséptico hasta que se preocupa por el lado humano de su protagonista, un hombre que le da la espalda al compromiso, pero que, en el fondo, está profundamente solo.

Su crisis existencial se ve gatillada por la aparición de dos mujeres: Alex (Vera Farmiga), una ejecutiva top que parece ser su alma gemela y con la que mantiene relaciones casuales, y Natalie Keener (Anna Kendrick), una ingenua nueva empleada que propone un sistema que amenaza con liquidar el estilo de vida de Ryan: el despido vía webcam, técnica que reduciría costos y terminaría con los viajes.

 “Amor sin escalas” es una película sobre el compromiso (“Juno” abordaba este tema lateralmente, a través del personaje de Jason Bateman) y la eficiencia exitista en una sociedad marcada por el trabajo. Es también una película contingente que indaga en una de las más recientes llagas de la vida americana: el colapso de un sistema económico capaz de poner a muchas vidas en jaque.

 Reitman tiene vocación de retratista de nuestros tiempos —en “Gracias por fumar” se colgó del bullado debate sobre los daños provocados por el tabaco y en “Juno” abordó el creciente fenómeno del embarazo adolescente— pero está lejos de ser un sátiro social. El suyo es un cine de personajes, ágil, amable, favorecido por diálogos inteligentes y una sobriedad ejemplar.

El casting es otro acierto. Clooney funcionará siempre en los zapatos de personajes encantadores pero distantes y las dos actrices principales tienen carisma de sobra. Los tres han sido nominados al Oscar por su actuación en este filme, que es una buena muestra de cine “mainstream” inteligente y alejado de los clichés de industria. Y eso es algo que no se encuentra a la vuelta de la esquina.

IDEAL PARA: Individualistas del mundo unidos.

“AMOR SIN ESCALAS”

(“Up in the Air”)

Reparto: George Clooney, Vera Farmiga, Anna Kendrick, Jason Bateman.

Dirección: Jason Reitman.

EE.UU., 2009.

Duración: 1 hora 49 minutos.

MAYORES DE 14 AÑOS.

INTERESANTE

Conmueve ver a Joaquin Phoenix como en sus mejores tiempos. Soberbio. Completamente cuerdo. En un drama romántico en Brooklyn, con Gwyneth Paltrow luciendo su belleza blanquecina y esa naturalidad que termina siendo apabullante.

James Gray, el director de “LOS AMANTES” presenta una historia oscura, basada en la novela “Las noches blancas” de Dostoievsky, en donde el amor es tratado (o descubierto) como un trastorno maniático.

Si alguien espera cualquiera de esas comedias románticas que inundan la cartelera, ni lo sueñe. Aquí lo que hay es una presencia omnipotente enfermiza, de personajes borderline y de amores tan atractivos como peligrosos.

Leonard (Phoenix) es un atormentado joven que regresa al departamento de sus padres, escapando de un intento de suicidio y buscando comprensión y afecto que escasea. Incluso en su madre, una Isabella Rossellini más contenida que contenedora.

Trabaja en la lavandería familiar, en un cotidiano que resulta asfixiante antes de conocer a dos mujeres que lo remueven: Michelle (Paltrow), su indescifrable (y fascinante) vecina, y Sandra (Vinessa Shaw), la encantadora hija de los amigos de sus padres, quienes pretenden armar negocio y familia con el romance.

El sendero se bifurca con un abismo de por medio y es él quien debe elegir y saber jugar entre una y otra. El bien y el mal. Como siempre.

IDEAL PARA: Adictos confesos a esos amores malos-malos.

“LOS AMANTES”

(“Two Lovers”)

Reparto: Joaquin Phoenix, Gwyneth Paltrow.

Dirección: James Gray.

EE.UU. 2008.

Duración: 1 hora 50 minutos.

MAYORES 14 AÑOS

BUENA

Al director Terry Gilliam las cosas nunca le han resultado fáciles. Cuando trató de llevar a la pantalla su singular versión de “Don Quijote de La Mancha”, el rodaje fue arruinado por chascarros insólitos (jets que sobrevolaron el lugar interrumpiendo las escenas, un temporal inesperado, la enfermedad del protagonista, líos contractuales,...) y la película no pudo ser terminada. Luego, el cineasta tuvo problemas para conseguir financiamiento para “Tideland” —extraña cinta centrada en una niña que se sumerge en la fantasía mientras el cuerpo de su padre drogadicto se pudre en el living— y optó por salir a la calle a buscar plata por su cuenta. Se exhibió en el circuito independiente.

Pero con el “EL IMAGINARIO MUNDO DEL DOCTOR PARNASSUS” todo parecía marchar correctamente. El presupuesto de 45 millones de dólares favorecía el amplio caudal de ingenio del realizador y el mundo tenía sus ojos puestos en el filme que seguramente reubicaría a Gilliam en el podio que alguna vez ocupó. Entonces ocurrió lo peor: la muerte del actor Heath Ledger antes de la culminación del rodaje.

Ahora llega a nuestras salas la película terminada; una cinta reparada con alfiler de gancho que, pese a todo, sale victoriosa.

El Doctor Parnassus (Christopher Plummer) es un anciano alcohólico que —junto a su hija Valentina, un enano y un adolescente— recorre las calles del Londres actual en un carro-escenario, ofreciendo un penoso show de adhesión voluntaria. Ante la mirada de un público principalmente burlesco y escéptico, el equipo promete altas dosis de magia.

Pero lo que nadie sospecha es que al fondo del decadente escenario de utilería e ilusiones baratas hay un espejo mágico que posibilita el ingreso a un mundo fantástico dictado por la imaginación de quien entra. El cineasta irá enriqueciendo la trama con las sobrenaturales explicaciones tras la pena de Parnassus (esto incluye al diablo, interpretado con estilo por el gran Tom Waits) e incorporará al personaje de Tony (Heath Ledger), un misterioso joven que se une al show itinerante.

Gilliam parece haber concluido que para suplir la ausencia de Ledger tenía que aumentar las dosis de delirio en las escenas fantásticas (el fallecido actor se convierte en Johnny Depp, Jude Law y Colin Farrell...y no resulta forzado) y transformar la obra en un circo de ilusiones; un carnaval mágico en el que incluso hay espacio para coreografías musicales al más puro estilo de las que el director realizaba cuando estaba a la cabeza del siempre vigente grupo humorístico Monty Python. El inasible plus del morbo es tema aparte. Ver a Ledger en pantalla genera una sensación especial que calza muy bien con el mundo de realidades paralelas que presenta la película. La muerte como otra dimensión, la pantalla como un universo alternativo vivo, la existencia como un raro vodevil.... Terry Gilliam y las circunstancias elaboran una película misteriosa y fascinante.

IDEAL PARA: Artistas perseverantes.

“EL IMAGINARIO MUNDO DEL DOCTOR PARNASSUS”

(“The Imaginarium of Doctor Parnassus”)

Reparto:Heath Ledger, Christopher Plummer, Tom Waits, Johnny Depp.

Dirección: Terry Gilliam.

Reino Unido/Canadá/Francia, 2009.

Duración: 2 horas 2 minutos.

TODO ESPECTADOR

BUENA

No es raro que detrás de esta película esté, en calidad de guionista, el escritor británico Nick Hornby. Después de haber retratado el universo afectivo masculino con “Alta fidelidad” (llevada al cine por Stephen Frears) se atrevió a explorar el mundo femenino en la novela “How to be good”, centrada en una mujer infiel.

En “ENSEÑANZA DE VIDA” vuelve a conectarse con esta sensibilidad realizando un interesante estudio de personaje carente de juicios morales o rasgos caricaturescos. La actriz Carey Mulligan contribuye a la impecabilidad del retrato gracias a una actuación cargada de dramatismo y carisma. Su interpretación de una chica que abandona la niñez para cruzar el umbral hacia la adultez es notable (estuvo nominada a Mejor Actriz en los Premios Sattelite, compitiendo con Catalina Saavedra). También lo es el trabajo de Sarsgaard; uno de los pocos actores norteamericanos que resulta creíble en los zapatos de un inglés.

El respeto por los personajes de Hornby es potenciado por la dirección de la danesa Lone Scherfig, quien ha realizado ejercicios similares de empatía en comedias agrias como “Italiano para principantes” y “Dos hermanos”. El desarrollo dramático, el uso del tiempo y la ambientación de época responden a una sutileza que marca la diferencia frente a otras historias de “madurez y búsqueda de identidad”, como la sobrevalorada “Juno”.

Lo único que se le puede criticar a “Enseñanza de vida” es un final condescendiente que parece haber sido metido a la fuerza. Estos minutos finales son los más débiles del filme pero, afortunadamente, no logran opacar los méritos de la apuesta.

IDEAL PARA: Admiradores de Nick Hornby.

“ENSEÑANZA DE VIDA”

(“An Education”)

Reparto: Carey Mulligan, Olivia Williams, Alfred Molina.

Dirección: Lone Scherfig.

Inglaterra, 2009.

Duración: 1 hora 40 minutos.

MAYORES DE 14 AÑOS

BUENA

Un científico es responsable de crear un pequeño robot a imagen y semejanza del hijo que perdió trágicamente. Como en “Pinocho”, el personaje tratará de tener un espacio en el mundo.

“ASTROBOY” funciona como un capítulo de larga duración que ofrece todo lo que los fans quieren ver. Ni más ni menos.

IDEAL PARA: Melancólicos que alguna vez sintonizaron “Pipiripao”.

“ASTROBOY”

Dirección: David Bowers.

EE.UU., 2009.

Duración: 1 hora 34 minutos.

TODO ESPECTADOR

ENTRETENIDA

Ahora es Guy Ritchie quien comete el pecado al llevar a la pantalla a Sherlock Holmes, el clásico detective creado en 1887 por Sir Arthur Conan Doyle.

Cerebral y astuto en la obra literaria, el personaje es en la película un tipo rudo que enfrenta varios desafíos físicos en su pugna contra el malvado Lord Blackwood. Si Robert Downey Jr. ofrece una buena interpretación es porque es un actor dotado de carisma natural, pero las exigencias de Ritchie —destreza corporal, verborrea, caricaturización— no hacen más que arruinar la imagen que teníamos de Holmes. El ex de Madonna desaprovecha también uno de los detalles más interesantes del investigador: su adicción a la droga, tema que hubiese sido bien asimilado por Downey Jr.

La presencia de Jude Law, por otro lado, responde únicamente a la intención de juntar a dos estrellas capaces de vender. El inglés poco y nada rescata del Watson original, el inseparable amigo y cronista de Holmes (“elemental, mi querido Watson”).

Pero más allá de las imprecisiones gratuitamente impertinentes, “SHERLOCK HOLMES” —éxito de taquilla en Estados Unidos— no entrega más que un artificio superficial basado en la acción además de la sobreexplotación de recursos técnicos de parte de un Ritchie que, como niño con juguetes nuevos, ha sido beneficiado con un presupuesto millonario. Elementos de su cinematografía —humor, rechazo a cualquier muestra de sentimiento y emotividad, dinamismo, diálogos disparatados, montaje rápido— están presentes, pero amplificados, llevados al terreno de la exageración y el exceso de estímulos.

“Sherlock Holmes” es vacía, innecesaria, rimbombante; la película más “familiar” de Guy Ritchie, pero también su apuesta más sobrecargada, ruidosa y desechable.

IDEAL PARA: Los que nunca leyeron los relatos originales.

“SHERLOCK HOLMES”

Reparto: Robert Downey Jr., Jude Law, Rachel McAdams.

Dirección: Guy Ritchie.

EE.UU., 2009.

Duración: 2 horas 8 minutos.

TODO ESPECTADOR

REGULAR

Harry Caine, seudónimo de Mateo Blanco (Lluís Homar), es un guionista ciego que alguna vez fue director de cine. Judit, su directora de producción, siempre ha estado a su lado y sigue siendo su gran apoyo. Ella (una masoquista de vocación) es de ese tipo de mujeres que, a fuerza de oportunas lealtades, sabe cómo adueñarse de un hombre y quedárselo para sí, aunque eso implique usar en su beneficio la desgracia de aquél.

Para sobrevivir, Harry-Mateo ha tomado dosis masivas de “erosión de memoria” (“Tokio ya no nos quiere”, Ray Loriga) y disfruta de sexo ocasional con desconocidas. El accidente que sufre Diego, el hijo adolescente de Judit, a quien conoce desde pequeño, lo pone en situación de abrirse a sus dolorosos recuerdos, lo que es reforzado por la aparición de un oscuro sujeto que dice tener material filmado para un documental de un empresario que acaba de fallecer.

En “LOS ABRAZOS ROTOS”, Pedro Almodóvar se vuelca al melodrama en estado puro, aquel que ha servido de inspiración a lo más clásico del género telenovelero latino (que seguirá funcionando mientras existan personas que sigan soñando con los peces de colores).

 A través de racontos, “Los abrazos...” reconstruye la historia de Mateo, cuando éste se enamora apasionadamente de Magdalena, Lena (Penélope Cruz), una chica que convive con un poco atractivo millonario. El engañado se ha encargado de vigilar a los amantes incautos, mientras éstos filman un largometraje que tiene a Lena de protagonista.

Amores perros, amores tormentosos, amores traicioneros... Pura fatalidad...

Sin embargo, esta es una historia que tiene una enorme fe en el poder de sanación de las verdades reveladas (o en los milagros).

“Los abrazos rotos” aparenta ser la película más convencional de Pedro Almodóvar. Sus personajes son más pueriles que estrambóticos y el amor imposible es tan corriente como aquello de chica-pobre-casada-con-millonario-viejo-y-feo se enamora de pintoso-director-de-cine-pobre. Pero, de a poco, los personajes se van desdoblando hasta lucir su sello almodovariano.  

Para mayor seña, cuando los amantes están en una cabaña de Famara ven por TV una película de Rossellini (“Te querré siempre”, en traducción española). Como en casi todas las películas de Almodóvar, aquí también hay mucha presencia y referencia cinéfila (desde “Sabrina” y “Desayuno en Tiffany” a “Blade Runner”, pasando por Fritz Lang y un largo etc.)... Sin considerar que lo que convoca a estos seres es precisamente el rodaje de un filme. 

No es lo único: Almodóvar juega con los planos de realidad, en película sobre película, lo que ocurre en el set, lo que se filma, lo que pasa fuera de él y lo que se está grabando sin que se enteren los protagonistas. Este juego de verdades y planos cruzados y superpuestos, con distintas pantallas que parecen mostrar las bambalinas y el corazón de hacer cine, es lo que hace más inquietante a la película, como una nueva manera de deconstruir la realidad, la que ciertamente tiene resultados insospechados.

Sólo al final del día nuestro protagonista se entera de cómo es que han sido sus serviciales y leales amigos quienes han manejado su destino. Harry-Mateo —que ha perdido a la mujer de su vida— es un hombre ciego, que, para mayor tragedia, alguna vez vio el sol.

 “Yo voy por el mundo a tientas desde que te he conocío”, canta la música final.

“LOS ABRAZOS ROTOS”

Reparto: Penélope Cruz, Lluís Homar, Blanca Portillo, José Luis Gómez.

Dirección y guión: Pedro Almodóvar

España, 2009.

Duración: 1 hora 53 minutos.

TODO ESPECTADOR + 7

INTERESANTE